Art de la Dynastie Tang

L'art de la dynastie Tang (618-907) commença à explorer de nouvelles possibilités en matière de matériaux et de styles, en particulier la peinture de paysage et la céramique. Parmi les traits caractéristiques de cette période, on retrouve de nouvelles techniques, une gamme de couleurs plus étendue et une augmentation du nombre de connaisseurs et d'ouvrages sur l'art. Les contacts croissants entre la Chine et le reste du monde conduisirent à l'adoption et à l'adaptation de nouvelles idées et de nouveaux motifs. La dynastie Tang fut l'une des époques les plus fastes de l'histoire chinoise. L'assurance et la richesse de l'époque se reflètent dans l'art brillant et novateur qu'elle produisit.

Objectif de l'art

La période de la dynastie Tang connut plusieurs développements significatifs dans l'art, de la céramique au travail au pinceau, et l'un d'entre eux, peut-être le plus important, fut l'augmentation de l'appréciation même de l'art en tant qu'effort humain digne de ce nom. La cour se dota d'un fonctionnaire spécialisé, le commissaire impérial chargé de la recherche des écrits et des peintures, d'écoles pour former les artistes, comme la célèbre Académie de Hanlin, et la première histoire de l'art fut rédigée par Zhang Yanyuan en 847, sous le titre Annales des peintres célèbres de dynasties successives. L'ouvrage s'exprime ainsi sur la finalité de la peinture:

La peinture perfectionne le processus de civilisation et soutient les relations humaines. Elle pénètre les permutations divines de la nature et sonde le mystérieux et le subtil. Son accomplissement est l'égal de n'importe lequel des six arts et elle évolue à l'unisson des quatre saisons. Il procède de la nature elle-même et non d'un artifice humain.

(Dawson, 205-6).

Il convient de noter que de nombreux artistes Tang étaient également des érudits, en particulier de principes confucéens, et qu'ils étaient souvent des hommes de lettres. L'art était, pour eux et leur public, un moyen de capturer et de présenter l'approche philosophique de la vie qu'ils appréciaient. C'est pourquoi l'art qu'ils produisirent est généralement minimal et sans artifice, voire parfois un peu austère aux yeux des Occidentaux. L'art Tang était censé exprimer le bon caractère de l'artiste et non pas simplement exposer ses compétences artistiques pratiques. Cependant, comme nous le verrons, l'arrivée de nouvelles possibilités techniques permettant d'utiliser plus de couleurs et plus de dynamisme fut saluée par les artistes professionnels Tang dans de nombreux médias, une tradition qui est restée présente dans l'art chinois jusqu'à aujourd'hui.

Sculpture

Si les tombes des empereurs et des personnages importants étaient parfois ornées de grandes statues, la plupart des sculptures Tang représentaient des sujets bouddhistes. Les monastères bouddhistes de Chine s'étaient progressivement et inlassablement enrichis, en grande partie grâce à la possession de terres et à l'exemption d'impôts, et, à l'époque de la dynastie Tang, cette richesse permit une grande production d'art religieux. Les sujets les plus populaires, comme toujours, étaient le Bouddha et les bodhisattvas et allaient des figurines miniatures aux statues grandeur nature. Contrairement aux périodes précédentes, les figures devinrent beaucoup moins statiques, leur mouvement fluide suggéré suscitant même la critique de certains selon laquelle les figures religieuses sérieuses ressemblaient parfois davantage à des danseurs de cour. Les sculptures taillées dans le roc des grottes de Longmen, dans le temple de Fengxian, près de Luoyang, constituent un excellent exemple de sculpture Tang à grande échelle. Datant de 675, ces figures de 17,4 mètres de haut représentent un roi céleste bouddhiste et des démons gardiens.

Calligraphie

L'art de la calligraphie, qui était certainement un art pour les Chinois de l'Antiquité, visait à démontrer une maîtrise et une habileté supérieures dans l'utilisation du pinceau et de l'encre. La calligraphie, déjà bien établie comme l'une des principales formes d'art sous la dynastie Han (206 av. J.-C. - 220 ap. J.-C.), allait influencer la peinture, les critiques recherchant chez l'artiste l'utilisation énergique des coups de pinceau et leur variation pour produire l'illusion de la profondeur. L'importance accordée à la composition fut une autre influence de la calligraphie sur la peinture. Enfin, la calligraphie resta si importante qu'elle apparut sur les peintures pour décrire et expliquer ce que le spectateur voyait. Ces notes finirent par faire partie intégrante de la composition générale et de la peinture à proprement parler. Ce n'est pas un hasard si nombre des grands peintres Tang étaient également de grands poètes.

Peinture

La peinture chinoise sur mur et sur soie avait deux objectifs principaux: capturer des personnes et des paysages. Sous la dynastie Tang, ces derniers avaient finalement pris le pas sur les premiers en tant que sujet le plus populaire. Comme pour la sculpture, de nombreuses peintures Tang avaient pour thème le bouddhisme, mais, malheureusement, beaucoup furent perdues, détruites lors de la persécution des bouddhistes et des monastères sous le règne de Wuzong de Tang (840-846). Les grottes de Dunhuang, dans le nord de la Chine, constituent une excellente source de peintures Tang (et de bien d'autres époques encore). Les peintures murales des grottes montrent des scènes de la vie de Bouddha, de nombreux portraits de bodhisattvas et des scènes de paysage. Parmi les autres tombes remarquables, celle du prince Tang Li Zhongrun (682-701) possède une peinture murale inachevée qui révèle les techniques utilisées. Tout d'abord, une esquisse était réalisée sur le plâtre, qui était ensuite recouvert d'une peinture blanche et scellé à l'aide d'un mélange de chaux et de colle. Enfin, les couleurs souhaitées étaient ajoutées et les contours noirs répétés.

L'historien M. Tregear décrit ainsi l'évolution des peintures bouddhiques Tang:

Après la richesse tranquille des compositions Sui, les peintures Tang entrent en activité. Les immenses scènes paradisiaques chères à la secte Amitabha, désormais dominante, sont des compositions complexes montrant des palais et des temples dans lesquels des foules de mortels et d'immortels se divertissent dans un jardin d'agrément, avec des chants, des danses, des discussions et des prêches, ainsi que des événements magiques. Ces compositions consistent en une projection isométrique des bâtiments vus d'en haut, dans laquelle les personnages sont représentés à la hauteur des yeux et généralement hors d'échelle. La couleur est brillante et décorative plutôt qu'atmosphérique. L'effet total est, une fois de plus, un amalgame de réel et de surnaturel qui donne vie à la scène. Ces grandes compositions, qu'il s'agisse de paysages purs ou de sujets religieux, sont le début d'une longue tradition dans la peinture chinoise.

(Tregear, 87).

Les peintures non religieuses, comme les œuvres bouddhiques, n'ont pas non plus survécu en grande quantité. Par exemple, il n'existe aucune œuvre du célèbre portraitiste Wu Daozi (680-740), qui orna également de ses peintures murales de nombreux édifices religieux et de cour. On dit que Daozi peignait avec une telle passion et une telle verve qu'il attirait des foules pour le regarder partout où il peignait. Heureusement, certaines tombes Tang ont livré des portraits de leurs occupants, y compris des femmes de la cour, ainsi que des animaux tels que des lions.

Il reste des peintures du plus célèbre peintre de scènes de cour, Yan Liben (c. 600-673), qui peignit un immense rouleau représentant 13 empereurs, mais, hélas, aucune peinture du grand paysagiste Wang Wei (alias Mojie, 699-759). On attribue à ce dernier l'invention du rouleau horizontal (les images verticales étant la convention jusqu'alors) et la création de la technique pomo ou "encre brisée", où des lavis d'encre sont peints en couches pour créer l'effet d'une surface solide et texturée. Il est également à l'origine de l'utilisation d'une seule couleur dans l'ensemble d'un tableau. Heureusement, certaines de ses œuvres majeures ont survécu sous forme de copies ultérieures et témoignent de son influence sur l'art chinois en général et de son succès à atteindre son objectif de capturer à la fois la distance et le vide.

Dans l'art chinois, les portraits étaient traditionnellement réalisés avec une grande retenue, généralement parce que le sujet était un grand érudit ou un fonctionnaire de la cour et qu'il devait donc, par définition, avoir une bonne moralité qui devait être représentée avec respect par les artistes. Il existe cependant des portraits plus réalistes. C'est le cas des deux peintures de généraux commandées par l'empereur Daizong, qu'il accrocha à l'extérieur de sa chambre à coucher pour qu'elles servent de gardiens, tant leur aspect était effrayant. Plus tard, ces peintures convaincraient les gens que les sujets étaient en fait des dieux de la porte.

Dans les paysages, les artistes Tang s'intéressèrent davantage à la place de l'homme dans la nature. Dans les peintures Tang, de petites figures humaines guident le spectateur à travers un paysage panoramique de montagnes et de rivières, alors que les périodes ultérieures verraient des scènes de nature plus intimes et plus abstraites. La peinture de la scène avec plusieurs points de vue différents et des perspectives multiples est une autre caractéristique commune. L'une des plus célèbres peintures de paysage chinoises est le panorama de soie peinte du 8e siècle intitulé "L'empereur Ming Huang voyageant dans le Shu". Il s'agit d'un chef-d'œuvre de paysage montagneux, vaste et détaillé, réalisé dans le style Tang typique, en utilisant uniquement des bleus et des verts. L'original est perdu, mais une copie plus récente est exposée au Musée du Palais de Taipei.

Céramique et arts mineurs

Des récipients en or et en argent furent fabriqués, généralement par moulage, à l'intention de l'élite. Ils présentent très souvent des signes d'influence persane dans leur forme et les motifs utilisés pour les décorer. Les motifs furent probablement apportés par des Perses fuyant l'invasion islamique qui s'installèrent en Chine. Les potiers appliquèrent ensuite ces idées à leur propre support (comme l'avaient fait les peintres) et inclurent des motifs de feuilles, des vignes, des chaînes florales et la bouteille de pèlerin trapue. Même les figures humaines figurant sur ces récipients - en particulier les musiciens, les marchands et les soldats - étaient directement inspirées de la tradition persane. Les motifs textiles étaient une autre source d'inspiration pour les potiers Tang et d'autres motifs populaires comprenaient des lotus et des fleurs.

Les potiers Tang étaient désormais plus compétents sur le plan technique que leurs prédécesseurs. De nouvelles glaçures colorées furent mises au point à cette époque, notamment des bleus, des verts, des jaunes et des bruns, produits à partir de cobalt, de fer et de cuivre. Les couleurs étaient également mélangées, ce qui permit de produire les objets tricolores qui ont fait la renommée de la période Tang. De riches incrustations d'or et d'argent étaient parfois utilisées pour décorer les céramiques Tang.

Dans les régions septentrionales de la Chine, la tradition voulait que l'on place des figurines dans les tombes, et celles-ci étaient fabriquées en céramique. Les formes les plus courantes étaient les figures humaines, les chevaux et les chameaux, dont les parties étaient fabriquées à partir de moules puis assemblées, et dont les détails étaient peints de couleurs vives, ce qui contrastait fortement avec les peintures essentiellement monochromes de l'époque. La verrerie était une autre source de couleurs, le plus souvent dans des tons jaune-brun et bleu vif. D'autres arts mineurs permirent de créer des objets décoratifs en pierres précieuses et semi-précieuses sculptées, en laque, en bois incrusté, en ambre, ainsi qu'en soie tissée, décousue, imprimée et brodée.